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La Historia de la Música

Aquí encontrarás una breve historia de la música en la cual, además de explicarse los diferentes períodos, se nombra a los compositores más importantes de cada época y también las formas musicales que han ido surgiendo, los instrumentos, etc.


Isis tocando un sistro
(figura egipcia)
En Egipto (2635-1080 AC.), la vida musical fue intensa e igualmente importante en los ámbitos civil y religioso. Con himnos se celebraba a los dioses y divinidades, pero también la música presidía banquetes, vendimias, cosechas y fiestas campestres. Utilizaron el arpa, la lira, la trompeta, el timbal y otros. La polifonía a 2 o 3 voces existía ya entonces.
En Grecia la música alcanzó un significado artístico similar a como entendemos hoy este término, además de aplicarse al arte de los sonidos, llevaba consigo un gran contenido ético. Los filósofos se ocuparon frecuentemente de la música, fuente de sabiduría y purificación. Pitágoras dice que la música se rige por leyes
En Roma, la música era sólo un elemento de diversión, su función ética y religiosa desaparece. Los romanos se apacionaban por el ritmo, la danza y el canto tanto como por la poesía. La declamación cantada, los coros y los himnos religiosos gozaban del favor del público en el teatro, los juegos, los sacrificios y los banquetes, donde los instrumentistas, a menudo griegos, tocaban la cítara y los instrumentos de percusión, acompañando a los solistas.

Después nace el motete, cuando se agregan palabras a los vocalismos del canto anteriormente mencionado. Otra forma del canto, el conductus, nace cuando la voz superior canta una melodía popular o en lengua vulgar, aunque siempre con carácter serio y moralizador.

Todos estos adelantos se llevan a cabo en un período musical denominado Ars antiqua (siglos XII y XIII), en donde cesa el dominio absoluto del arte gregoriano y en donde destacan músicos como Léonin y Pérotin.

En el Ars nova (siglo XIV) en cambio, destacan principalmente Philippe de Vitry (teórico) y Guillaume de Machaut. Surge en este período un concepto muy original de ritmo y melodía. Se usan valores rítmicos cada vez más pequeños, con lo que la música se vuelve más ágil. En el campo de la melodía se afirman progresivamente los modos mayor y menor. También el motete se desarrolla al agregar una voz suplementaria: contratenor, casi siempre instrumental, que permitirá la edificación de una polifonía de la que serán fruto las grandes composiciones del Renacimiento.

El siglo XV es el siglo de oro de la polifonía. Aquí el Ars nova se ve renovado y remozado con la aparición de la escuela franco-flamenca, en donde compositores como Guillaume Dufay, Gilles Binchois, Johannes Ockeghem y Josquin des Prés, desarrollan formas musicales como la misa, el motete y la canción.

Paralelamente, durante la Edad Media se desarrolla la música profana, la cual es cultivada por los juglares y trovadores. Los juglares eran músicos callejeros, poetas y bailarines que cada vez en número mayor se lanzaron a los caminos para divertir a los campesinos, burgueses y señores feudales. Éstos cantaban textos o los narraban


En la Prehistoria y estamos hablando de 40.000 años AC, el hombre ya pudo construir algunos instrumentos musicales, aunque muy rudimentarios, como el arco musical y la flauta perforada.

Más adelante, en la Antigua Mesopotamia (territorios bañados por el Tigris y el Eufrates), nos encontramos con una civilización muy centrada en la religión cuya música era interpretada por sacerdotes y músicos profesionales, con instrumentos como la lira y el arpa. Los ulteriores pobladores de la región mesopotámica, sumerios y babilonios, heredaron estos adelantos musicales, perfeccionando los instrumentos entonces conocidos y enunciando teorías musicales relacionadas con la matemática y astronomía.

numéricas y postuló su teoría llamada "armonía de las esferas" realcionada con los planetas. Usaban la cítara (su instrumento favorito) y el aulós (instrumento de viento). Su música era siempre monódica.


La Edad Media

Desde que la religión Católica se hizo oficial (año 313, Edicto de Milán), la Iglesia debió preocuparse de la unificación del canto litúrgico y de los rituales vigentes. Ésta se consolidó bajo la autoridad del papa Gregorio el Grande (540-

604), de quien toma su nombre el canto gregoriano, que dominará durante toda la Edad Media (siglos V al XV). Éste se interpreta al unísono y sin acompañamiento instrumental. La melodía o monodia, está concebida como una plegaria cantada que se basta a sí misma, por lo cual no se concibe el uso de instrumentos, y la Iglesia fue muy firme en esto.

El canto fue el elemento indispensable en todas las ceremonias eclesiásticas, ya fuera en sus formas de oraión o de alabanza a Dios, tanto por parte de los oficiantes como de la comunidad de creyentes.

Ars antiqua y Ars nova

El primer período importante en la historia de la música aparece cuando se añade un elemento en la música litúrgica: una segunda voz sobre la melodía original, con lo que nace la polifonía (varios sonidos a la vez), que hizo su aparición en el período gótico (1200-1450). A esta nueva forma de canto se le denominó organum paralelum. También en este período aparece por primera vez la notación musical. Después se perfecciona la polifonía con la introducción del principio de movimiento contrario en las voces. Más adelante la voz superior (tenor) desarrolla una línea más compleja y se alarga con vocalismos, lo cual es llamado organum libre u organum con vocalismos.


El Renacimiento

Durante el Renacimiento (siglo XVI) aparece el movimiento literario conocido como humanismo y paralelamente la música cambia su sentido: toma mayor importancia la armonía. También nace la imprenta, con lo que se difunden las composiciones de grandes maestros por todos lados. El texto en la música se vuelve primordial, entonces nacen en la música profana dos grandes formas: la canción francesa y el madrigal italiano (una sola voz acompañada por instrumentos). Por su lado, la música instrumental se independiza de la vocal y se crean obras sólo para instrumentos. Aquí el órgano, el laúd y la espineta (antepasado del piano) tienen un florecimiento extraordinario.


El período Barroco


El período clásico

las variaciones sinfónicas y los poemas sinfónicos. Sobresalen en este período muchos compositores alemanes como: Beethoven (quien inaugura el romanticismo), Mendelssohn, Brahms, Weber, Schumann y Wagner (el


Período moderno


Los músicos vanguardistas

Los músicos fueron buscando cada vez más la forma de romper con los esquemas de la melodía, el ritmo y la armonía, experimentando con parámetros nunca antes vistos. Surgen nuevos conceptos como el de atonalismo (Schoenberg), dodecafonía (Boulez), serialismo (Webern y Messiaen), música concreta (hecha de ruidos: choques de objetos, sonidos de la naturaleza, voces, uso de cintas magnéticas, etc.), música electroacústica (Messiaen, Boulez, Stockhausen). Ya a mediados del siglo XX surge la música de ordenador, en que los computadores son capaces de crear e interpretar música. también por este período surge la llamada música aleatoria (John Cage, Boulez, Stockhausen, Penderecki), en que el intérprete debe escoger el orden de ejecución de las diferentes secuencias de una composición, en que generalmente hay ruidos y ritmos, sin melodía.
El músico de vanguardia es actualmente una especie de alquimista con poderes misteriosos. A la vez físico, psicólogo y matemático, tiende a encerrarse en abstracciones que le aislan del público.


El jazz


La música popular

Este género musical que nació en 1960 aproximadamente, alcanzó un éxito extraordinario entre la joven generación. Es heredera del rock and roll, de la música folklórica anglosajona blanca (folk, country) y del jazz. Esta música es un fenómeno de nuestra época, que tiende a amalgamar varias formas de expresión diferentes. El obstinato rítmico con sus golpes regulares es una herencia del jazz, la melodía y armonía lo son del blues y de la música clásica; sin mbargo el uso que se hace de ellas es original. Por otra parte, el desarrollo de la electroacústica permite la elaboración de instrumentos nuevos. La sonorización, a veces muy potente, es otra característica de la música popular, como también lo es el nuevo clima que se crea en los conciertos y festivales. Hoy en día esta música tiende cada vez más a convertirse en un espectáculo total y es, lamentablemente, víctima de una tremenda explotación comercial.


Juglares en la corte de Alfonso VIII de Castilla
acompañándose con un instrumento, entre los que estaban la vihuela, rabel, guitarra, laúd, bandurria, salterio, arpa, etc. como instrumentos de cuerdas. Entre los de viento estaban la trompa, adrecillo, gaita, cornamusa, bombarda e incluso el órgano portátil. De percusión: atambor, tamborete, atabal y panderete. Los trovadores, en cambio, eran músicos poetas que componían su propio texto y música, generalmente eran de origen noble, y análogamente a ellos nacen los Troveros en el norte de francia y Minnesänger en Alemania.

En el siglo XVII nace el período barroco. Aquí los compositores se revelan contra los antiguos convencionalismos de la música e influenciados por el madrigal, ensalzan la forma de la melodía sola con un acompañamiento armónico, oponiéndose de este modo a la polifonía. Así, nacen nuevas formas musicales como la ópera (Monteverdi, Cavalli, Cesti, A. Scarlatti, Lully), el oratorio (Haendel, Bach) y la cantata (Buxtehude, Bach), en el ámbito vocal, y en el instrumental nace el concepto de bajo continuo (melodía de instrumento de registro grave acompañada por lo general de un instrumento de teclado), la sonata, la suite, la obertura, el concerto,


Juan Sebastian Bach compuso música para todos los géneros musicales existentes, excepto óperas. Son muy conocidas sus dos Pasiones: según San Juan y según San Mateo,compuso más de 2000 cantatas y mucha otra música vocal e instrumental.

Pese a ser alemán, Georg Friedrich Haendel vivió la mayor parte de su vida en Inglaterra. Conocido sobre todo por sus grandes oratorios como el Mesías (su famoso "aleluya") y su música instrumental, en donde compuso numerosos concertos grossos para orquesta, suites para clave y conciertos para órgano.
el concerto grosso, la toccata y la fuga (sus explicaciones se encuentran en la sección de terminologías). Los instrumentos barrocos por excelencia fueron el violín y el clavecín.
Durante los últimos años del barroco, dominó en la música un estilo llamado galante o rococó, donde la melodía, llena de ornamentaciones, era
sostenida por un sencillo acompañamiento armónico. Los máximos representantes de este estilo fueron Telemann y los hijos de J. S. Bach.

El genio alemán de Wolfgang Amadeus Mozart, compuso más de 600 obras que abarcan todos los géneros del arte musical. Son muy famosas sus óperas: "La flauta Mágica" (el aria de la Reina de la Noche) o "Don Juan".
En este período comprendido entre los años 1750 y 1810 aproximadamente, predomina un estilo delicado, refinado y con un barniz aristocrático. Los compositores se esmeraron en procurar la exactitud de la forma, la claridad de la escritura, la precisión en lo emocional, pues el orden y la sensatez dominaban todas sus creaciones. La música instrumental llega a ser más importante que la vocal.
Dominaba el estilo homofónico en la composición, aunque no fue abandonada por completo la polifonía. Las nuevas formas musicales que aparecen son la sinfonía y los cuartetos de cuerda, llegando estos a adquirir predominio, además que se renueva la forma sonata y el concierto (sus explicaciones están en nuestra sección de Terminologías). También la ópera bufa comienza a tomar preponderancia sobre la seria. En este período destacan principalmente Christoph Willibald Gluck, Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven (éste último en su primera etapa compositiva fue clásico).

Haydn compuso 104 sinfonías, en las que dio a esta forma musical su configuración definitiva. Sus sinfonías más conocidas son "La Sorpresa" (94), "Militar" (100) y "El Reloj" (101). También compuso famosos oratorios como "La Creación"
Durante este período histórico se dio la Ilustración y bajo su influencia la música adquiere su máximo puntode equilibrio. En esta época aparece el instrumento del piano, que alcanzará mayor preponderancia en el romanticismo.

Ludwig van Beethoven marca el paso del clasicismo al romanticismo. En sus obras póstumas se dejó ver claramente las concepciones románticas e incluso, de la música moderna. Son muy conocidas su 9 sinfonías, sobretodo la Quinta. También compuso gran cantidad de música instrumental como cuartetos, sonatas para piano, y conciertos para piano (El Emperador).

Franz Schubert es el primer gran compositor de lieder (canciones alemanas), creando una perfecta conjunción entre la voz humana y el piano. También compone música de cámara, para piano y sinfonías. Los temas de sus obras siempre tienden a la angustia, la impotencia y la muerte.


El período romántico

El siglo XIX fue el período romántico tanto para la literatura, el pensamiento y las artes como para la música. Aquí la música retorna al folklor y los ideales nacionales, con una idea de progreso y novedad, surgiendo escuelas nacionaes como la rusa, bohemia y española. Se destaca lo individual y la expresividad, otorgándose mayor importancia a la emoción, la sensibilidad y el sentimiento. En el romanticismo se amplió la estructura de la sinfonía cuya forma adquirió mayor flexibilidad, se agregaron nuevos adelantos en la orquestación, se destacó la parte melódica y se enriqueció el lenguaje armónico así como el ritmo. Los instrumentos de viento alcanzan la misma importancia que los de cuerda. Entre las formas orquestales que cultivaron los compositores figuran las oberturas de concierto,

último de los románticos), así como también músicos de otras naciones europeas como Chopin (polaco), Berlioz (francés), Liszt (austriaco), Bruckner (austriaco), y los rusos: Tchaikovsky, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. El instrumento romántico por excelencia es el piano, por lo cual se escribió mucha música sólo para ese instrumento (Chopin, Liszt, Schubert, Schumann y Brahms). También la ópera llega a su cúspide con compositores italianos como Donizetti, Bellini, Rossini y Verdi (bel canto italiano), franceses como Bizet y Gounod (opera-comique y grand-ópera francesas), y alemanes como Weber y Wagner, este último quien revolucionó el concepto de ésta. Y finalmente el lied o canción alemana que ya había sido cultivada en el clasicismo por Mozart, Haydn y Beethoven, alcanza una gran importancia en el romanticismo con Schubert, Schumann y Brahms a la cabeza.
Richard Wagner fue un revolucionario, marcó un antes y un después no sólo en el terreno operístico, sino también en el instrumental y armónico. Según él, la ópera debía ser una obra de arte total, conjugándose la música, poesía, danza, pintura y filosofía. La melodía fluye sin interrupción y los personajes tienen un tema recurrente llamado "leit motiv". Como sus óperas más conocidas podemos mencionar "Tannhäuser", "Tristán e Isolda", "El holandés errante" y la tetralogía "El anillo del Nibelungo".
Hacia finales del siglo XIX los músicos comenzaron a buscar la forma de romper con las formas y estilos tradicionales, lo cual fue encabezado por el nuevo estilo de Richard Wagner, surgiendo seis importantes movimientos musicales: el impresionismo (Debussy, Delius, Chabrier y Ravel), el expresionismo (Schoenberg), el dinamismo o neoprimitivismo (Stravinsky), el neoclasicismo (Stravinsky y Hindemith), el neorromanticismo (Dohnányi, R. Strauss y Mahler) y el jazz (Gershwin y Copland). La ópera ahora se vuelve más realista en el llamado verismo, cultivado por compositores como Puccini, Catalani, Mascagni, Leoncavallo y otros.

Claude Debussy es el principal representante de la corriente impresionista francesa. En ésta, al igual que en la pintura, el músico intenta dar en sus obras una impresión del tema que tratan, imperando el subjetivismo. Su música se encuentra llena de audacias y novedades armónicas sin una forma clara. Destaca su ópra Peleas et melisande.



Arnold Schoenberg incorpora las revolucionarias técnicas del atonalismo y dodecafonismo. Pertenece a la corriente expresionista, ya que su obra sitúa en primer plano la expresión del sentimiento personal.



Louis Amstrong destacó sobretodo como trompetista, pero poseía también una voz ronca con la que lograba extraños afactos expresivos.

El jazz nació en la segunda década del siglo XX, cuando del Africa llegan millones de esclavos a América del Norte. Estos, sometidos a crueles tratos, formarán la etnia de los afroamericanos. Ellos no olvidan su tradición africana en que acompañan todos los momentos de su existencia con música, y mezclando sus bailes, cantos y ruido de tambores con la música de los blancos, comienzan a crear nuevas formas musicales: el negro-spiritual, después el gospel (música religiosa vocal), el blues (música profana vocal, cuyos acordes y clima influenciaron al jazz), el ragtime y el jazz propiamente dicho, el cual en poco tiempo se convirtió en una manifestación universal con gran acogida. La improvisación es una de sus principales características, además de su singular ritmo, ya que acentúan el segundo y cuarto tiempo (de cuatro), los llamados tiempos débiles. Ha tenido a grandes exponentes en Louis Amstrong y Miles Davis.
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